Scully Spanish Gallery Map

Sean Scully: La forma de las ideas

Para Sean Scully, la abstracción es uno de los grandes manantiales del arte moderno, una tradición viva que, de la mano de artistas como Piet Mondrian y Mark Rothko (sus predecesores), ha ampliado enormemente los límites de la pintura y permanece, incluso después de un siglo de innovación, llena de posibilidades. Al comienzo de su carrera, a principios de la década de 1970, Scully recibió este legado y ha seguido preguntándose cómo podría revitalizarse y hacerse relevante para nuestro tiempo.

Durante las últimas cinco décadas, Scully ha creado una serie de obras que representan una de las contribuciones más significativas al desarrollo continuo de la pintura abstracta. Lo ha hecho al adoptar un motivo específico, la raya, que hizo propio explorando su potencial formal y expresivo a través del gesto y, lo que es más significativo, a través de su dominio distintivo de la escala y el color.

Scully, que nació en Dublín y fue criado en Londres, ganó reconocimiento en el extranjero antes de venir a Estados Unidos. En esta exhibición se traza la evolución de sus obras desde las precoces pinturas en cuadrícula que creó como estudiante de posgrado en la Universidad de Newcastle a principios de la década de 1970, hasta las obras austeras que produjo en respuesta a la estética simplificada del minimalismo, que encontró después de mudarse a Nueva York en 1975, a las obras de múltiples paneles ampliamente pintadas de la década de 1980 que establecieron su reputación y, más recientemente en la serie, a la que ha dado títulos evocadores como Wall of Light, Doric y Landlines, en la que centró su atención creativa durante las últimas tres décadas. 

La integración de obras en papel en la exposición tiene como objetivo demostrar la interrelación entre varios medios que es fundamental para comprender el enfoque de Scully sobre lo pictórico. Si se observan junto con sus pinturas, proporcionan una prueba convincente de la capacidad del artista para imbuir la abstracción con nueva expresión, nueva vida y nuevo significado.


Al borde de la pintura: Variaciones en la cuadrícula

Después de completar sus estudios de posgrado en la Universidad de Newcastle, Scully ganó elogios iniciales con su primera exposición individual en Rowan Gallery de Londres en 1973. Las pinturas que exhibió allí estaban formadas por franjas de colores brillantes, su primer uso de un motivo que ha sido una constante a lo largo de su carrera, organizadas en intrincadas cuadrículas colocadas una encima de la otra. Las imágenes resultantes, geométricamente precisas, pero ópticamente ricas en colores y patrones, representaron un esfuerzo por parte de Scully por probar los límites de nuestra percepción de sistemas visuales complejos. Ambiciosos en carácter y escala, estos trabajos revelan a Scully como un experto colorista cuya metodología es altamente analítica e intuitiva.

En el otoño de 1975, con el apoyo de una beca Harkness, Scully dejó Londres para trabajar en Nueva York. Esta decisión coincidió con un cambio decisivo en su enfoque en la creación de imágenes. Continuó enfocándose en la raya como su motivo característico, pero comenzó a usarla como un medio para hacer pinturas y dibujos que se volvieron cada vez más reductivos en composición y color y de carácter más austero. El conocimiento de Scully sobre el minimalismo, con su énfasis en las formas unitarias y su virtual eliminación del color como elemento expresivo, ciertamente contribuyó a este cambio. Pero la realización de estas obras, que parecen casi monásticas en espíritu en comparación con la exuberancia de las que había creado unos años antes, también representó una forma para que Scully probara hasta dónde podía llegar al destilar la pintura en sus componentes esenciales. Tal ejercicio evocó los esfuerzos de varios de los pioneros del arte abstracto en el mundo occidental, como Kasimir Malevich y Mark Rothko, a quienes admiraba enormemente. “Estas son pinturas extremadamente conceptuales”, dijo sobre sus obras de este período. “Están lo más reducidas posible antes de tener que dejar la pintura. Estaba justo al borde de la pintura”.


Mil opciones: Obras con paneles múltiples

En 1980, el color comenzó a encontrar su camino de regreso a las pinturas de Scully. Y también lo hizo su casi irreprimible impulso de animar su obra a través del contraste dinámico de formas. Al avanzar más allá de los formatos reductivos que empleó en la segunda mitad de la década de 1970, el artista adoptó una paleta más ligera y variada y comenzó a dividir sus campos pictóricos una vez unificados en paneles discretos y de diferentes colores.

En este punto, el ritmo de cambio en el trabajo de Scully también se aceleró, y se puede detectar en esto una creciente sensación de entusiasmo, como si el artista supiera que estaba haciendo algo innovador y trascendental. Mientras continuaba usando la raya como su armadura principal, este motivo pictórico ya no tenía la intención de unificar la superficie. Por el contrario, al variar en escala y color, estas rayas posteriores empujan y tiran unas contra otras en ritmos visuales entrecortados a través del lienzo. Este breve pero consecuente cambio de dirección culminó en un trabajo magistral, grandioso tanto en escala como en ambición, que hace mucho tiempo se considera un punto de inflexión en la carrera de Scully: Backs and Fronts de 1981, que señalaba su voluntad de hacer composiciones que, lejos de resolverse, luchaban entre sí, daban giros y vueltas impredecibles, y eran, en cierto sentido, abiertas. Estas pinturas, que reflejan su continuo interés por pensar en cómo encajan las cosas en el mundo, permitieron a Scully perseguir lo que describió como "mil opciones".


Una raya única: Obras arquitectónicas

Scully tomó las sutiles ideas articuladas por primera vez en sus pinturas de principios de la década de 1980 y avanzó en una nueva dirección. En los años siguientes, sus obras comenzaron a tomar una escala mayor y a ocupar una posición híbrida y algo ambigua entre pintura y escultura.

El ímpetu por los trabajos de múltiples paneles sin precedentes que realizó durante esta década se cristalizó durante una residencia en la Fundación Edward F. Albee en Montauk, Nueva York, en el verano de 1982. En comparación con las pinturas precisas y meticulosamente elaboradas que le habían conseguido la atención de los críticos, estas obras parecen caseras y casi improvisadas. Y aunque la raya siguió siendo un elemento compositivo clave, adoptó un nuevo carácter, más espontáneo que programático.

Este nuevo enfoque adquirió una forma monumental en pinturas como Heart of Darkness de 1982, cuyo título es un guiño a la célebre novela de Joseph Conrad. Lo que Scully trataba de lograr en esta obra y otras pinturas de este período era, como lo describió, “una narrativa abstracta del pensamiento y la emoción”, que se logró a través de la repetición y variación de rayas, la superposición e interacción de la rica pero a menudo apagada paleta del artista y las formas contrastantes de los paneles.

La década de 1980 también marcó los primeros viajes de Scully a México, lo que aumentó aún más su interés por el color y los efectos de la luz en la arquitectura, como se ve en las acuarelas que se exhiben aquí. La década terminó con una gran exposición itinerante de la obra del artista organizada por la Whitechapel Gallery, sobre la que el crítico Robert Hughes observó astutamente: “Después de tantas otras rayas, ¿cuál es el resultado? . . . algo feroz, concreto y obsesivo, con una grandeza sombreada por la torpeza, una raya única”.


Vandalizar el plano de la imagen: Recuadros y tableros de damas

A fines de la década de 1980, Scully comenzó a explorar varias estrategias de composición diferentes al mismo tiempo. Una de las más fascinantes fue la colocación de uno o más "recuadros", pequeños paneles enmarcados por separado, en campos pictóricos más grandes. En esencia, estos recuadros funcionaban como una imagen dentro de una imagen y ayudaron a Scully a interrumpir la lectura de la superficie pintada como un plano unificado. “Es pictórico”, dijo Scully sobre este gesto, “pero también destroza por completo la idea del plano de la imagen y crea un orificio. . . Todo se canibaliza y se convierte en otra cosa. Está en un movimiento constante”.

Durante este mismo período, Scully también comenzó a experimentar con el formato de sus pinturas mediante campos de cuadrados o rectángulos alternos en tonos contrastantes, en esencia, un tablero de damas. Al igual que la raya, el tablero de ajedrez proporcionaba una estructura compositiva simple y era capaz de variaciones casi infinitas, lo que permitía que los campos pictóricos contrastaran o se reflejaran entre sí.

Scully no restringió el uso del recuadro y el tablero de damas a la pintura, sino que los tradujo sin problemas a pasteles, grabados y acuarelas, que ocuparon un lugar cada vez más destacado en su obra. Su habilidad con estos medios y su profundo conocimiento de sus posibilidades expresivas los convierten en unas de sus obras más líricas.


Toma de Arcadia: Wall of Light

Entre los logros de Scully, cabe destacar la extensa serie Wall of Light con más de trescientas obras en varios medios diferentes, que van desde 1984 hasta la actualidad. En cada una de ellas, construye la imagen mediante variaciones en un solo motivo —un cuadrado o rectángulo compuesto de franjas de tonos o colores alternos— formando un “tartán” para crear pinturas que son simples en estructura, pero visualmente complejas.

Este dispositivo de composición apareció por primera vez en Wall of Light 4.84, una obra en acuarela que Scully creó en México en 1984. La semilla de esta idea quedó sin examinar, pero ciertamente no se olvidó, hasta que el artista volvió a la imagen unos trece años más tarde y consideró sus implicaciones, lo que dio inicio a la serie más grande de pinturas en 1998.

En retrospectiva, queda claro que esto llevó a Scully en una dirección completamente nueva porque, como mencionó, su aceptación del motivo requería que “rompiera la raya”. Ensambladas como bloques de piedra en un antiguo muro, las obras de Wall of Light poseen una solidez arquitectónica. Al mismo tiempo, están impregnadas de luz, como si brillaran desde adentro, lo cual hace alusión al mensaje político subyacente: el de la disolución de los muros. Estas cualidades son esenciales para lo que Scully buscó explorar en esta serie: “La materialidad de la luz”, como la describió. Puede parecer una contradicción en términos, pero también es una metáfora poderosa de algo que se puede imaginar, si no realizado por completo. “Es un sueño”, dijo Scully sobre esta idea, “una aspiración. Y es una toma de Arcadia”.


De proporciones clásicas: Doric

La estructura compositiva de las pinturas de Wall of Light de Scully fue el punto de partida para el desarrollo de varias series de obras diferentes, muchas de las que continúa desarrollando. Las más destacadas se denominan Doric, una referencia intencionada a uno de los tres órdenes canónicos de la arquitectura griega clásica caracterizada por su severidad y simplicidad. Scully concibió la serie como un homenaje a Grecia y su papel fundamental en el desarrollo de la cultura occidental. Sombrías y de espíritu digno, estas obras se caracterizan por una paleta más oscura y sus colores se limitan, típicamente, a negros y grises. Sus ritmos visuales son más lentos y majestuosos, pero mantienen el sello distintivo del trabajo de Scully con su composición audaz pero simple, su pincelada expresiva y su atención a las sutilezas del color y la luz.


Comienzo y final sin fin: Landlines y Windows 

Casi todas las obras recientes de Scully tienen un sello emocional diferente. Más relajadas y, a veces, incluso divertidas, son abiertas y expansivas. Sin embargo, también evocan ideas que el artista ha explorado y cultivado desde la década de 1970. Este hábito de mirar hacia atrás mientras mira hacia adelante es un sello distintivo del enfoque del artista. Al hacerlo, Scully se resiste a cualquier trayectoria lineal singular a favor de crear variaciones sobre temas y motivos a través de los que continúa reimaginando y redefiniendo las posibilidades de la abstracción.

Las pinturas llamadas Landlines reflejan este enfoque iterativo, pues son todas similares, pero difieren en color, tono y carácter. De las obras de esta serie, Scully señaló: “Trato de pintar este sentido de la unión elemental de tierra y mar, cielo y tierra, de bloques que se unen uno al lado del otro, apilados en líneas de horizonte que comienzan y terminan sin fin; la forma en que los bloques del mundo se abrazan y se rozan entre sí, su peso, aire, color y el espacio suave e incierto entre ellos”. Las obras que se exhiben en esta galería, con sus superficies ricamente cepilladas y colores sonoros, son descaradamente románticas y son otro ejemplo de la insistencia del artista en la capacidad de la abstracción para reflejar la experiencia vivida, expresar emociones y dar forma a las ideas.